作者：Morning Rocks

首先，要提到一位名声显赫的艺术家。

在乔布斯生前的最后几年里，他反复思考「Apple 新总部大楼的墙上，

应该挂什么东西才能最大化激发员工的灵感」。

而得到他认可那位艺术家，就是 Mark Rothko。

欣赏 Rothko 的作品，会让人感觉仿佛置身于他所营造的精神空间里，而不是身处陈列其作品的现实空间。

对画家自己而言，绘画是表达其精神、信仰和生存意义的工具。

「绘画，一定要象奇迹一样。」

他一直对作品的展示方式有着苛刻的要求，希望要挂得够高，

配合昏暗的光线，以达到一种沉浸体验甚至冥想的氛围。

在 Mark Rothko 成熟期的绘画作品中，经常可以见到两三个色彩明亮、边缘柔和、

微微发光的矩形色块，它们毫无重量感地排列在一起，如同一种自由的思想漂浮于画布上空。

艺术家力图通过有限的色彩和极少的形状来反映深刻的象征意义。

简练、单纯，但却如磁石般将人深深吸引。

Mark Rothko 在绘画中注入了强烈的精神成分， 

这些画作以一种让人萦绕心头而不能忘怀的朴素闻名。

如此简单的色彩作品也能打动人吗？

已故的 Barnett Newman 就曾创造了一个这样惊人的记录：

接下来要说到的另外两位小众艺术家，也在做类似这样纯粹的创作。

他们的作品里，只有颜色。

出生于 1965 年的摄影师 Stefan Heyne，已经不是年轻人了。

可能是岁月和对于美感的精炼，让他现在的作品完全忽略具体元素，

不使用任何可识别的物质存在，而是选择了最为抽象的照片。

纯粹的，模糊的光影。

《NAKED LIGHT》

艺术评论家称，这是 Stefan Heyne 的作品最为激进的时期。

他称呼这些颜色为「Naked light」，意为裸光，或明火。

从这些摄影作品中你感受不到刻意为之的镜头虚化，或人为模糊，而是对无穷空间的眺望。

他举办过无数场展览，下图的这一场名字我最喜欢，是一句拷问：Who is afraid of photography?

是谁在害怕这些照片呢？

颜色有的时候，确实好像会吃人。

这位艺术家叫 Jonny Niesche，很难找到他对于作品的自我宣传，亦从不阐述创作理念。

只是安静地把作品放在画廊展出，一个个城市延展，

然后像一名旁观者一样观察看展人在自己的作品面前驻足，沉思。

Jonny Niesche 把颜色绘制在薄纱上，使用特殊的晕染技术，

再跟特殊选制的玻璃结合，让表面的光泽更加柔和，突显颜色。

放松心情，不用刻意从艺术作品里寻找什么伟大而深刻的含义，

仅仅是体会那些颜色，以及观察此时自己的内心世界。

这些渐变色，好像会把人吸收进去一样。

为什么会有艺术家热衷于如此纯粹抽象的色彩表达？

Mark Rothko 是这么解释的：

我只感兴趣于如何表现人类最基本的情感，悲剧、狂喜或毁灭的等等。

一些人在我的画前大哭，说明我的确成功地表达出了这种感情。这些落泪的人感受到与我作画时相同的宗教体验。

而若你只是被画面上的色彩与光影感动，那么你并没有没有抓住这艺术的核心

文章转载自：意大利之家